Desenho de figura - Figure drawing - Wikipedia

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Desenho de figura por Leonardo da Vinci

UMA desenho de figura é um desenho da forma humana em qualquer uma de suas várias formas e posturas usando qualquer um dos desenhos meios de comunicação. O termo também pode se referir ao ato de produzir tal desenhando. O grau de representação pode variar de renderizações altamente detalhadas e anatomicamente corretas a esboços soltos e expressivos. Um "desenho de vida" é um desenho da figura humana a partir da observação de uma vida modelo. Um desenho de figura pode ser uma obra de arte composta ou um estudo de figura feito em preparação para um trabalho mais acabado, como uma pintura.[1] O desenho da figura é indiscutivelmente o assunto mais difícil e artista encontros comuns, e cursos inteiros são dedicados ao assunto. A figura humana é um dos temas mais duradouros nas artes visuais, e a figura humana pode ser a base de retrato, ilustração, escultura, ilustração médicae outros campos.

Abordagens

Os artistas adotam uma variedade de abordagens para desenhar a figura humana. Eles podem desenhar de modelos vivos ou de fotos,[2] de modelos esqueléticos, ou de memória e imaginação. A maioria das instruções concentra-se no uso de modelos em cursos de "desenho de vida". O uso de referência fotográfica - embora comum desde o desenvolvimento de fotografia- é frequentemente criticado ou desencorajado por sua tendência a produzir imagens "planas" que não conseguem capturar os aspectos dinâmicos do assunto. Desenhar com a imaginação é frequentemente elogiado pela expressividade que incentiva e criticado pelas imprecisões introduzidas pela falta de conhecimento do artista ou pela memória limitada na visualização da figura humana; a experiência do artista com outros métodos tem uma grande influência na eficácia dessa abordagem.

Ao desenvolver a imagem, alguns artistas se concentram nas formas criadas pela interação de valores claros e escuros nas superfícies do corpo. Outros fazem uma abordagem anatômica, começando por aproximar os esqueleto da figura, sobrepondo os órgãos internos e musculatura, e cobrindo essas formas com a pele e, finalmente (se aplicável) roupas; estudo da anatomia interna humana geralmente está envolvido nesta técnica. Outra abordagem é construir livremente o corpo fora de geométrico formas, por exemplo, uma esfera para o crânio, um cilindro para o torso, etc., em seguida, refine essas formas para se assemelhar mais à forma humana.

Para quem trabalha sem referência visual (ou como meio de verificação do trabalho), proporções comumente recomendadas no desenho da figura são:[3]

  • Uma pessoa média geralmente tem 7 cabeças e meia de altura (incluindo a cabeça). Isso pode ser ilustrado para os alunos na sala de aula usando pratos de papel para demonstrar visualmente o comprimento de seus corpos.
  • Uma figura ideal, usada para uma impressão de nobreza ou graça, é desenhada com 8 cabeças de altura.
  • Uma figura heróica usada na representação de deuses e super-heróis tem oito cabeças e meia de altura. A maior parte do comprimento adicional vem de um tórax maior e pernas mais longas.

Essas proporções são mais úteis para um modelo em pé. Poses que apresentam encurtamento de várias partes do corpo fará com que sejam diferentes.

meios de comunicação

Mulher sentada, desenho em giz de cera preto, escola de Rembrandt (Século 17)

o Salão francês no século 19 recomendou o uso de Conté lápis de cor, que são bastões de cera, óleo e pigmento, combinados com papel especialmente formulado. O apagamento não era permitido; em vez disso, esperava-se que o artista descrevesse a figura em pinceladas leves antes de fazer marcas mais escuras e visíveis.

Desenho de figura por Lovis Corinth. Antes de 1925

Uma técnica moderna popular é o uso de um carvão vara, preparada com vinhas especiais, e uma forma mais áspera de papel. O carvão adere frouxamente ao papel, permitindo um apagamento muito fácil, mas o desenho final pode ser preservado usando um "fixador" em spray para evitar que o carvão esfregue. O carvão comprimido mais forte pode produzir um efeito mais deliberado e preciso, e tons graduados podem ser produzidos borrando com os dedos ou com uma ferramenta de papel cilíndrica chamada de toco.

Lápis de grafite também é comumente usado para desenho de figuras. Para este propósito, os lápis para artistas são vendidos em várias formulações, variando de 9B (muito macio) a 1B (médio macio), e de 1H (médio duro) a 9H (muito duro). Como o carvão, ele pode ser apagado e manipulado com um toco.

A tinta é outro meio popular. O artista frequentemente começa com lápis de grafite para esboçar ou delinear o desenho, então o trabalho da linha final é feito com uma caneta ou pincel, com tinta permanente. A tinta pode ser diluída com água para produzir gradações, uma técnica chamada lavagem de tinta. As marcas de lápis podem ser apagadas após a aplicação da tinta ou deixadas no local com as tintas escuras dominando-as.

Alguns artistas desenham diretamente com tinta sem a preparação de um esboço a lápis, preferindo a espontaneidade dessa abordagem, apesar de limitar a capacidade de correção de erros. Matisse é um artista conhecido por ter trabalhado desta forma.

Um método preferido de Watteau e outros artistas dos séculos 17 e 18 da Barroco e Rococó era começar com um fundo colorido de tom a meio caminho entre branco e preto, e adicionar sombras em preto e realces em branco, usando caneta e tinta ou "giz de cera".

História

A figura humana é objeto de desenhos desde os tempos pré-históricos. Embora as práticas de estúdio dos artistas da antiguidade sejam em grande parte uma questão de conjectura, o fato de eles frequentemente desenharem e modelarem a partir de modelos nus é sugerido pela sofisticação anatômica de suas obras. Uma anedota relatada por Plínio descreve como Zeuxis revisou as moças de Agrigentum nu antes de selecionar cinco cujas características ele combinaria para pintar uma imagem ideal.[4] O uso de modelos nus na oficina do artista medieval está implícito nos escritos de Cennino Cennini, e um manuscrito de Villard de Honnecourt confirma que desenhar da vida era uma prática estabelecida no século XIII.[4] The Carracci, que abriu seu Accademia degli Incamminati em Bolonha na década de 1580, estabeleceu o padrão para escolas de arte posteriores, tornando o desenho da vida a disciplina central.[5] O curso de formação começou com a cópia de gravuras, depois passou a desenhar a partir de moldes de gesso, após o que os alunos foram treinados no desenho a partir da maquete viva.

No final do século 18, os alunos em Jacques-Louis DavidO estúdio da empresa seguiu um rigoroso programa de instrução. O domínio do desenho era considerado um pré-requisito para a pintura. Por cerca de seis horas por dia, os alunos desenharam de um modelo que permaneceu na mesma pose por uma semana.[6] "Desenhos do século XVIII, como o atribuído a Jacques-Louis David, eram geralmente executados em papel colorido com giz vermelho ou preto com realces brancos e fundo escurecido. As poses das modelos tendiam a ser ativas: figuras em pé parecem prestes a se mexer e até mesmo figuras sentadas gesticulam dramaticamente. A observação atenta do corpo do modelo era secundária à representação de seu gesto, e muitos desenhos - consistentes com a teoria acadêmica - parecem apresentar uma figura representativa em vez de um corpo ou rosto específico. Em comparação, as academias produzidas em do século XIX eram [...] normalmente executados a giz preto ou carvão sobre papel branco e são representações meticulosas das particularidades e idiossincrasias do corpo da modelo viva. Evidências da mão do artista são minimizadas e, embora em poses reclinadas ou sentadas são raros, mesmo as posturas em pé são comparativamente estáticas ... " [7] Antes do final do século 19, as mulheres geralmente não eram admitidas nas aulas de desenho artístico.[8]

Figura da academia

A figura da academia é um desenhando, pintura ou escultura de uma maneira literal, do corpo humano nu usando um modelo vivo, normalmente com metade do tamanho natural.[citação necessária]

É um exercício comum exigido dos alunos em escolas de arte e academias, tanto no passado quanto no presente, daí o nome.[9]

Mulheres

Uma figura transcendida da academia pelo pintor neoclássico Pierre Subleyras

Relatos históricos revelam que modelos nus para aspirantes artistas femininas estavam praticamente indisponíveis. As mulheres foram proibidas de entrar em certas instituições porque era considerado impróprio e possivelmente até perigoso para elas estudar com modelos nuas.[10] Embora os homens tivessem acesso a nus masculinos e femininos, as mulheres estavam limitadas a aprender anatomia por meio de moldes e modelos. Só em 1893 é que as alunas tiveram acesso ao desenho animado na Royal Academy de Londres,[11] e mesmo assim o modelo precisava ser parcialmente coberto.[12]

O acesso limitado a figuras nuas impediu a carreira e o desenvolvimento de mulheres artistas. As formas mais prestigiosas de pintura exigiam um conhecimento profundo de anatomia que era sistematicamente negado às mulheres,[12] que foram assim relegados a formas menos consideradas de pintura, como gênero, ainda vida, panorama e retrato. Dentro Linda NochlinNo ensaio "Por que não houve grandes artistas mulheres", ela identifica o acesso restrito que as mulheres tinham ao desenho de figuras nuas como uma barreira historicamente significativa para o desenvolvimento artístico feminino.[12]

Instrução de estúdio contemporâneo

Desenho de um homem sentado com as pernas cruzadas
Estudo de nudez por Annibale Carracci

A instrução de desenho da figura é um elemento da maioria belas artes e ilustração programas. Academias de belas artes na Itália tenha um scuola libera del nudo ("escola gratuita do nu"), que faz parte do programa de graduação, mas também está aberta a alunos externos.[13] Em uma típica sala de aula de estúdio de desenho de figuras, os alunos sentam-se ao redor de um modelo em semicírculo ou círculo completo. Dois alunos não têm exatamente a mesma vista, portanto, seu desenho refletirá a perspectiva da localização única do artista em relação ao modelo. O modelo geralmente posa em um pedestal, para permitir que os alunos encontrem mais facilmente uma visão desobstruída. Dependendo do tipo de pose, móveis e / ou adereços podem ser usados. Eles são normalmente incluídos no desenho, na medida em que são visíveis para o artista. No entanto, os fundos são comumente ignorados, a menos que o objetivo seja aprender sobre a colocação de figuras em um ambiente. Modelos individuais são mais comuns, mas vários modelos podem ser usados ​​em classes mais avançadas. Muitos estúdios são equipados para permitir uma variedade de arranjos de iluminação.

Quando ensinado em nível universitário, os modelos de desenho de figuras são frequentemente (mas nem sempre) nu (além de pequenas joias, adereços ou outros itens imperceptíveis). Durante a pose, o modelo geralmente é solicitado a permanecer perfeitamente imóvel. Devido à dificuldade de fazer isso por um longo período de tempo, as pausas periódicas para o modelo descansar e / ou alongar-se são geralmente incluídas em sessões mais longas e para poses mais difíceis.

No início de uma sessão de desenho de figura, o modelo é frequentemente solicitado a fazer uma série de poses breves em rápida sucessão. Elas são chamadas de gestos e geralmente duram de um a três minutos cada. Desenho com gestos é um exercício de aquecimento para muitos artistas, embora alguns esboçam o gesto como o primeiro passo em cada desenho de figura.[14] Esses movimentos amplos não são feitos apenas com o movimento de um pulso, mas usando todo o braço para capturar o movimento do modelo. Também ajuda a manter o artista focado no modelo em vez do papel. Quando se trata do corpo humano, os artistas são dolorosamente críticos; as proporções de uma natureza morta não precisam ser desenhadas perfeitamente para parecerem autênticas, mas mesmo o mais leve erro nas proporções humanas será facilmente detectado.

Os artistas modernos e contemporâneos podem escolher exagerar ou distorcer as proporções para enfatizar o gesto ou o sentimento percebido na pose das modelos. Os resultados podem ser considerados como uma obra de arte acabada, expressando tanto o sujeito, o observacional, o emocional e a resposta da marca à experiência do desenho da figura do artista.

A anatomia é apenas o primeiro nível de preocupação nas classes de vida. Figura-solo relacionamentos e outros aspectos da composição também são considerados. O equilíbrio de uma composição torna-se mais crucial e, portanto, mais compreendido através do desenho da vida. Os artistas cinestésico resposta à pose e como isso é transmitido por meio de uma escolha de mídia artística é uma preocupação mais avançada. Visto que o objetivo das aulas de desenho de figuras é aprender a desenhar humanos de todos os tipos, modelos masculinos e femininos de todas as idades, formas e etnias são geralmente procuradas, ao invés de selecionar apenas modelos bonitos ou aqueles com figuras "ideais". Alguns instrutores procuram evitar especificamente os tipos de modelos preferidos pelos fotógrafos de moda, buscando exemplos mais "realistas" e evitando qualquer implicação de objetificação sexual. Os instrutores também podem favorecer modelos de tipos de corpos específicos com base nos contornos exclusivos ou texturas de superfície que eles fornecem. A variedade de modelos contratados pode ser limitada pela necessidade de posar por longos períodos (eliminando crianças inquietas e idosos frágeis), e preocupações com o pudor e legalidade quando modelos posam nus (restringindo o uso de menores).

Veja também

Notas

  1. ^ Berry, Ch. 8 - “Desenho como Preparação”
  2. ^ Maureen Johnson e Douglas Johnson (2006). Modelos de arte: nus da vida para desenho, pintura e escultura. Livros de modelos vivos. ISBN 978-0976457329.
  3. ^ Devin Larsen (19 de janeiro de 2014). "Proporções padrão do corpo humano". makingcomics.com. Recuperado 6 de setembro, 2020.
  4. ^ uma b Estritamente Acadêmico 1974 p. 6
  5. ^ Estritamente Acadêmico 1974, p. 7
  6. ^ Estritamente Acadêmico 1974, p. 8
  7. ^ S. Waller, The Invention of the Model: Artists and Models in Paris, 1830-1870. 2016, P. 5.
  8. ^ Estritamente Acadêmico 1974, p. 9
  9. ^ Claude-Henri Watelet, «Académie» e «Modèle», na Encyclopédie méthodique. Beaux-arts, Paris, Panckoucke, 1791. Fonte citada em fr: Académie (dessin)
  10. ^ Myers, Nicole. "Mulheres Artistas na França do Século XIX". Museu Metropolitano de Arte.
  11. ^ Levin, Kim. "Dez principais histórias da ARTnews: Expondo o oculto 'ele'". ArtNews.
  12. ^ uma b c Nochlin, Linda. "Por que não houve grandes artistas mulheres?" (PDF).
  13. ^ Maggioli (2013).Codice delle leggi della scuola, pp. 829–830. ISBN 8838778639 (em italiano)
  14. ^ O Manual do Modelo de Arte http://www.artmodelbook.com

Referências

links externos

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